Scénario de Matthias De Groof, Mona Mpembele et Jean Bofane, image de Matthias De Groof, son de Frédéric Furnelle, montage de Sébastien Demeffe, voix de Jean Bofane, musique originale de Ernst Reijseger. Production Daniel De Valck (Cobra Films).

En 2013, le Musée royal de l’Afrique centrale à Tervuren (Belgique) ferme ses portes pour rénovation. Au-delà du bâtiment, c’est l’esprit du musée qui doit évoluer. Le film nous invite à la table du comité chargé de repenser – et de « repanser » – cette histoire en donnant notamment la parole à la sociologue féministe Gratia Pungu et à l’artiste Toma Muteba Luntumbue. Pendant que les discussions échauffent les esprits, les œuvres emballées et transportées sur des chariots roulants semblent peu à peu s’humaniser. Démonter la statue de Léopold II, symbole d’un passé colonial, proposer une vision plus complète et contemporaine de l’Afrique : telle est la mission de ce « nouveau » musée. Car les explications scientifiques ne suffisent plus à exposer les richesses congolaises ni à éclairer l’histoire. Il est temps d’abandonner le récit de domination pour avancer vers une approche véritablement interculturelle. Et décoloniser un musée, c’est aussi interroger son essence : qui regarde et quelle histoire est racontée.

Matthias De Groof — Cinéaste belge et professeur en études cinématographiques et cultures visuelles, Matthias De Groof travaille depuis 2005 sur les impasses de la décolonisation. Formé en philosophie, études africaines, relations internationales et cinéma, il a d’abord consacré ses recherches à l’eurocentrisme et aux représentations de l’altérité. Il a mené des travaux sur le cinéma africain et la théorie postcoloniale à la NYU (Tisch), au Helsinki Collegium, à l’Université de Bayreuth et à l’Université Waseda à Tokyo. Il enseigne ou a enseigné le cinéma, l’esthétique, la théorie du documentaire et la critique de film. Actuellement chercheur à l’Université d’Amsterdam, il développe un projet sur les esthétiques comme politique des formes. Ses films – dont Under The White Mask (2020), Palimpsest of the Africa Museum (2019) ou Lobi Kuna (2018) – ont été présentés dans de nombreux festivals, dont la Berlinale. Il publie régulièrement dans des revues internationales et intervient comme conférencier, programmateur ou critique.

Image de Thomas Lallier, son de Antoine Rodet, montage d’Alyssa Verbizh et Thomas Lallier. Production Mirage Illimité (Dominique Belloir) et la Fondation Antoine de Galbert, avec la participation de Bip TV, du CNC, du Centre Georges Pompidou.

Le film Jean Chatelus, l’œil qui accumule relate l’histoire d’une collection unique en France, composée d’œuvres d’art puissantes et énigmatiques. Il fait, en creux, le portrait d’un collectionneur atypique et passionné, disparu en 2021, et de la relation qu’il entretient avec sa « créature ». Janvier 2022 : le collectionneur Jean Chatelus vient de disparaître à l’âge de 82 ans. Resté sans héritier, il a fait don de sa collection à la Fondation Antoine de Galbert, chargée d’inventorier les œuvres accumulées pendant plusieurs décennies et de décider de leur sort. Dans l’appartement de Jean Chatelus, Antoine de Galbert reçoit les derniers visiteurs comme l’historien de l’art Bernard Marcadé, l’écrivain et psychanalyste Gérard Wajcman, les galeristes Fabienne Leclerc et Éric Hussenot. La Fondation Antoine de Galbert fera don de la collection Jean Chatelus au Centre Georges Pompidou, un ensemble d’environ 600 pièces d’art contemporain, d’art brut, d’art populaire, d’art premier, de livres et d’objets divers. Elle y sera exposée pour la première fois en 2025.

Image de Bill Breyne et Charles Stewart, son d’Ivan Sharrock, montage de Gene Ellis. Production Tempo ABC TV.

Ce film est un voyage poétique avec Rahsaan Roland Kirk (1935‑1977) et John Cage (1912‑1992), deux musiciens iconoclastes qui cherchent à repousser les limites de leur art. Alors qu’ils viennent de deux domaines assez conformistes : le jazz et la musique contemporaine, ils interrogent par une approche concrète ce qu’est le son dans une succession de plans sur la ville et le zoo. Plutôt que de présenter une collaboration directe, le film alterne des scènes de Cage et Kirk, soulignant leurs approches distinctes mais complémentaires du son et de la performance. John Cage prépare une performance impliquant un « vélo musical » aux côtés du pianiste David Tudor et du chorégraphe Merce Cunningham au Saville Theatre de Londres. Il nous plonge dans ses explorations du silence et du bruit ambiant, y compris dans une chambre anéchoïque où il réfléchit aux sons internes du corps humain. À l’inverse, les performances dynamiques de Kirk sont présentées à travers des images du jazz club de Ronnie Scott et une séance impromptue au zoo de Londres. Connu pour sa capacité à jouer plusieurs instruments à vent simultanément, les segments de Kirk le montrent engageant le public par la distribution de sifflets. Bien que les deux musiciens iconoclastes ne se rencontrent à aucun moment du film, ils partagent une même vision des possibilités illimitées de leur art.

Dick Fontaine (1939‑2023) — Les films du britannique Dick Fontaine sont autant de documents uniques sur la culture occidentale et ses mutations. Depuis les années 60, il utilise les techniques du cinéma direct pour capter les soubresauts politiques et musicaux de son époque, de la lutte pour les droits civiques aux États‑Unis à la guerre du Vietnam, de l’invention du free jazz à la naissance du hip‑hop. Il a enseigné à la School of Visual Arts et à NYU à New York. Fontaine réalise un nombre important de films sur le jazz contemporain et notamment sur Ornette Coleman (1966), Sonny Rollins (1968), Betty Carter et Art Blakey (1986/1987), aussi bien que des films sur la pop ou la Beat en filmant des auteurs tels que James Baldwin, Norman Mailer ou Black Panther George Jackson.

Vidéo, texte, pièces sonores et musiques de Dominique Petitgand, voix de Liza Maria Riveros, Paoulo Riveros, Bénédicte Petitgand et Dominique Ané, photographies de Madeleine Decaux au Yachting Club d’Arromanches (Route Panoramique, 2017), photogramme issu d’une vidéo privée de Jean‑Pierre Auvy (Arromanches, années 80).

La vidéo a été conçue lors d’une résidence à la Villa La Brugère en 2017. Cette création sonore cinématique joue sur les apparitions et disparitions de voix, mots, lettres et leurs coïncidences avec les images de paysages, faites de vagues, d’embruns et de sable. Dans un rythme à peine perceptible, le brouillard se lève, et le sens se défait et se refait accroché au développement d’une phrase. Le film nous amène dans l’entre‑deux du montage et crée des accroches sur notre attention, sans cesse renouvelée par le jeu des correspondances musicales, verbales et fictionnelles. « L’élément déclencheur de ce montage de textes, d’images et de sons est, selon Dominique Petitgand, une coïncidence à trois têtes, liée au paysage d’Arromanches et à la Route Panoramique où j’ai présenté une série de diffusions sonores face à la mer. Le fil conducteur des séances était une suite de voix, guide en pointillé d’une déambulation parmi les décombres d’un paysage rêvé. L’une de ces époques et réalités est, enfin, liée au troisième terme de la coïncidence : le paysage même des étés de mon enfance, les pieds nus, le temps aboli et les allers-retours de la digue à la mer ».

Dominique Petitgand — Dominique Petitgand crée des œuvres sonores, où les voix, les bruits, les atmosphères musicales et les silences construisent, par le biais du montage, des micro‑univers. L’ambiguïté y subsiste en permanence entre un principe de réalité et une projection dans une fiction possible et atemporelle. Il a exposé notamment au CIAP (Vassivière), à l’Abbaye de Maubuisson, au Musée des Beaux‑Arts de Nancy ou encore au MUDAM (Luxembourg). On trouve ses œuvres dans plusieurs collections dont le PEAC Museum (Allemagne), au Musée des Beaux‑Arts de Nancy, au CNAP, dans plusieurs FRAC (France) et dans des collections privées.

Production Mosfilm. Avec Anatoli Solonitsyne, Ivan Lapikov, Nikolaï Grinko, Irina Raouch, Rolan Bykov.

Russie, début du XVe siècle. Les princes s’entretuent alors que les Tatars mettent le pays en coupe réglée. Partout, la désolation et les pillages ravagent le pays. La foi vacille. Au milieu de ce désordre, le moine Andreï Roublev se demande pourquoi continuer à peindre des icônes. Face à la barbarie et au silence de Dieu, l’art a‑t‑il encore un sens ?

Andreï Tarkovski — Andreï Tarkovski réalise sept longs‑métrages qui le placent parmi les maîtres du septième art et parmi les plus grands réalisateurs soviétiques. De L’Enfance d’Ivan à son dernier film, Le Sacrifice, Tarkovski aura filmé des visions et des rêves, des gestes et des conversations. Un cinéma sensitif qui va se heurter très vite aux carcans de l’idéologie soviétique de son temps jusqu’à le forcer à l’exil. La poétique inhérente à ses films le relie à son père, Arseni Tarkovski, journaliste, traducteur et poète. Ses films révèlent une poétique et une spiritualité qui se fondent malgré tout sur la vie matérielle. Il n’y a donc pas à s’étonner que la création et les questions existentielles se manifestent de façon saisissante dès son deuxième film, Andreï Roublev.